"Mi cámara, mi escuincla"

La cultura audiovisual está formada por  la imagen, su significado y posibilidades expresivas; los medios de comunicación y la producción audiovisual. La televisión, desde su invención, ha formado gran parte de la cultura audiovisual, siendo un medio para el cual se producen contenidos que se transmiten para su difusión y comunicación. Las imágenes que recibimos a través de la televisión, son las de mayor influencia en los medios de comunicación, sin embargo el acceso a ella como participe es restringido y en ocasiones censurado.

arTv es como Pola Weiss -la primer teleasta en México- nombra a sus producciones por su capacidad masiva de comunicación. Combinando la función de la televisión con un fin artístico. Pola Weiss utiliza la televisión para alcanzar a mayor público, sabiendo el rango de difusión que tiene este medio de comunicación. -tomando en cuenta que, cuando ella trabajaba, no existía el internet.

Toda elaboración audiovisual de Pola va dirigida a un público, su objetivo era la difusión, utilizando e la TV como medio de comunicación común para las masas, ella intentaba que el arte trascendiera de la galería y tuviera mayor rango de alcance. 

Pola Weiss es sin duda la videoasta más importante en América Latina, siendo precursora de éste arte, Pola casi desconocida nos deja años de trabajo e ingenio en sus obras que definitivamente estaban adelantadas a su época, siendo una gran influencia y referencias para todos los nuevos artistas. 

La relación de Pola Weiss con su cámara era como de madre e hija: inseparables, en su video: Autovideato la describe cómo: "mi cámara, mi escuincla", era sin duda su principal herramienta. Pola observaba a través de ella, ponía atención al mundo, o a través de su cámara nos hacía poner atención a lo que ella observaba. El medio que utiliza Pola Weiss responde a su contexto, su objetivo: lograr que el espectador sintiera lo que es estar en su cuerpo. La combinación de música, vestuario, movimiento y video conforman el performance y videodanza de Pola Weiss, así la artista exploró su cuerpo y su mente a través de la danza y la cámara.

En el trabajo de Pola Weiss se valora la importancia de la función expresiva del sonido y de la música en el proceso de creación audiovisual. Es decir, su trabajo no se compone únicamente visualmente como en la fotografía, si no que va de la mano con los efectos elegidos, las pistas de audio que Pola elige para su edición.

La exposición de Pola Weiss en el MUAC, nos da un acercamiento a una mente inquieta, moderna, pionera, un recorrido por su mente, ya que se encuentran exhibidas sus bitácoras, guiones, video (piezas) y bocetos. La mayor parte de su trabajo se trata de ella y su relación con el mundo. La obra de Pola Weiss estaba en espera de espectadores, 24 años después de suicidarse, la obra de Pola es expusta en busca de un público de otra generación, acostumbrado a la difusión y a los medios digitales,  a diferencia de su auditorio contemporáneo quien rachasó su obra por hacer locuras radicales para su época. Pero, de no haber sido por su época, Pola no habría sido la vanguardista del videoarte en México, quizás sería una de tantas, o habría encontrado una forma renovadora de manifestarse.

A través del video, Pola descubrió nuevas posibilidades que no habían sido vistas por otros, sin embargo la obra de Pola no tiene nada que ver con la tecnología de hoy, incluso podría pensar que con la tecnología de hoy Pola no habría hecho lo mismo, pues lo que hace Pola es marcar tendencias. ¿Qué vanguardia hubiera provocado con la tecnología actual? ¿Qué habría hecho Pola con las herramientas de ésta época? ¿qué no habría hecho con una GoPro y el internet? Si parte importante de su trabajo era la difusion, ¿qué habría hecho con las herramientas de ahora, como Vine?

studium - punctum

A través de experiencias y miradas personales sobre la fotografía, Roland Barthes (1915-1980), crítico, teórico y filósofo francés cumple su deseo de escribir sobre la fotografía en La cámara lúcida, en el cual refleja la incomodidad que siempre había experimentado de bambolearse entre dos lenguajes, uno expresivo y otro crítico.

En el libro, Barthes genera diferentes preguntas y reflexiones sobre la fotografía, como: ¿Por qué escoger (fotografiar) tal objeto, tal instante y no otro? Ésta es una pregunta a la que él como crítico no responde, sin embargo inventa términos para poder definir un criterio de observación para las fotografías. Su mayor pregunta es el porqué le llama atención una foto en especial y no otra. ¿Por qué escoger esa foto y no ésta?

Distintas razones hacen que te interese una foto: por el objeto, el paisaje, el cuerpo, los colores, la forma, etc. Se trata de asombrarse, de admirar o discutir la técnica empleada. 

Barthes dice que lo que hace vibrar una fotografía es la "aventura". El por qué me atrae una foto, que tiene esa foto que sea existente para mí. Las que impresionan, unas ganas que se sumergen en nosotros hasta un profundidad y por medio de unas raíces que desconocemos. En cada fotografía existía para él una aventura compuesta por diferentes elementos, en muchas de ellas como las de Koen Wessing, lo que le interesaba era una especia de dualidad que encontraba en ellas como hilo conductor.

En el libro Barthes hace mención a que las personas tenemos una tabla interior de preferencias, de repugnancias o indiferencias que definen nuestro criterios para que nos guste o no una foto. Por esto, a partir de esto Barthes desarrolla términos para definir sus criterios de interés, para poder justificar sus argumentos.

Define el studium y el punctum, que son las dos herramientas que utiliza para analizar la aventura de la fotografía. El studium es una especie de interés humano, la aplicación a una cosa, el gusto por alguien, una suerte de dedicación general, ciertamente afanosa. Y el puntcum, lo que llega a punzar al espectador, los puntos sensibles, es el azar que hace vibrar. El studium es el interés histórico, la parte reflexiva, el interés social, político, o cultural. mientras que el punctum es un detalle, es decir un objeto parcial, tiene fuerza de expansión. La lectura del punctum es al mismo tiempo corta y activa, las cualidades para atraer la mirada construyen el punctum, es un suplemento, es lo que añado a la foto y que sin embargo ya está en ella, es entonces una especie de sutil más-allá-del-campo, como si la imagen lanzase el deseo más allá de lo que ella misma muestra.No es posible establecer una regla de enlace entre el studium y el puntcum, se trata de una cooprescencia.

Barthes menciona en su libro, el trastorno de propiedad sobre una fotografía. ¿De quién es la foto? Existen dos posibilidades: 

a) al sujeto

b) al fotógrafo

Quizaás si le preguntamos a la persona, o siendo imaginativos, al objeto fotografiado, responderán que la foto es suya, por que son ellos los que salen en ella. Cuando eres fotografiado, común y erróneamente uno dice que la fotografía es suya. Dicen, "mira mi foto" cuando es una retrato de ellos mismos. A mí parecer, la fotografía es del fotógrafo, porque él fue quien la tomó, quien se apropió del objeto, de la imagen. Fue quien decidió como tomarla, y para qué. El fotógrafo es total y único responsable de sus fotografías. 

¿Por qué escoger (fotografiar) tal objeto, tal instante y no otro? Ésta es una pregunta a la que él como crítico no responde, el escoger tal objeto, tal instante y no otro es una habilidad del fotógrafo capturar el instante decisivo, como pensaba Cartier-Bresson, es decisión y criterio del fotógrafo, por lo que le llame la atención a su juicio. Antes de tomar la fotografía, el fotógrafo ya crisicó la escena, ya hubo algo que lo hizo vibrar, encontró una aventura, un stadium y un puntcum. Barthes establece que el Fotógrafo debe desafiar las leyes de lo interesante, la foto se hace sorprendente a partir del momento en que no se sabe por qué ha sido tomada: ¿qué motivo puede haber y qué interés hay para fotografíar un objeto?

Referencias:

Barthes, Roland. La Cámara Lúcida. Trans. Joaquín Sala-Sanahuja. 1ª ed. Buenos Aires: Ediciones Paidós, 1990. Print.

Uno de uno

El primer impacto de una obra de arte se genera cuando no conocemos nada de la obra de arte. Hace siglos, en sus inicios, la pintura era el arte que causaba mayor impacto en la sociedad porque era algo nuevo, algo especial para su época, algo diferente, casi imposible. Pero a través de los años, otras formas de expresión artística han acaparado la atención y la pintura no nos impresiona tanto porque ya la conocemos, es algo que ha existido desde antes de nuestra generación. No es algo nuevo ni renovador, lo nuevo somos nosotros.

Últimamente algunos artistas utilizan técnicas antiguas porque las técnicas modernas son cada vez más fácil de manipular, y para ser únicos u originales como Patricia Lagarde se necesita utilizar las técnicas que ya nadie más usa, como el ambrotipo. Las formas antiguas o clásicas son para crear piezas únicas, mientras que las modernas son para su mayor reproducción y su mayor alcance.

De que sirve una pieza única, ¿para que nadie la pueda tener? O sólo una persona pueda disfrutarla, ¿qué tiene de malo estar en todos los muros? ¿Porqué sólo una? Más que originalidad, en mi parecer, después de la conferencia que dio Marco, se podría considerar egoísta.

Si es una de una (1 / 1), el alcance es para una persona. El arte además de los sentimientos y las expresiones, es un negocio, y por supuesto que económicamente tiene más valor una pieza única que una de tantas, como artistas debemos elegir si queremos ser parte del mercado o parte de la historia. Igual, se pueden ambas cosas, pero para cada pieza le tenemos que escoger un fin, un objetivo y ese puede ser tanto económico como emocional...

"Algunas personas matan por dinero, otras, mueren por ser reconocidas"

Tú... Coleccionista de fotografías

Los coleccionistas son personas que reúnen objetos de la misma clase (o de la misma forma) por un interés propio o por afición. Generalmente, las colecciones (que son las agrupaciones de diferentes objetos de una determinada categoría) son organizadas y clasificadas por el coleccionista.

Cualquier cosa es coleccionable. Sólo se necesita estar lo suficientemente comprometidos con el objeto para convertir la afición en una colección. Existen todo tipo de colecciones, y de forma de coleccionarlas. Hay quien reúne tarjetas de beisbol y las coloca todas en un mismo lugar.

A continuación, dos artistas que trabajan proyectos artísticos a través de colecciones.

Patricia Lagarde, diseñadora gráfica y fotógrafa, es una artista visual que se especializa en la elaboración de Libros de artista. Lagarde, dice que como artistas, fotógrafos, no debemos limitarnos a presentar una fotografía colgada en la pared, si no a experimentar todas sus presentaciones. Lagarde presenta sus obras a través de libros de artista que ella diseña y edita de acuerdo a las necesidades de sus fotografías, adecuando el libro a su trabajo y no viceversa. Más bien, convirtiendo el libro en su obra.

Además de los Libros de artista, Lagarde tiene una colección de objetos que son sacados de su contexto y atrapados por la técnica de ambrotipo, haciendo de cada fotografía una pieza única y coleccionable. Al sacar a cada objeto de su contexto y metiéndolo en un ambrotipo de 10x14cm, Lagarde tiene una colección fotográfica de objetos cotidianos que todos, logran tener una relación por su importancia en la fotografía y no en realidad.

Marianna Dellekamp estudió fotografía en México y Nueva York, es una artista visual que en particular, colecciona tierra. Sí, ese polvo café que se mete en todos lados, y lo hace de una manera muy original, a través de libros (recipientes) de acrílico. Ésta colección la hizo con la ayuda de la difusión de una convocatoria en las redes sociales para que personas de todo el mundo le mandaran tierra. “Tocando puertas virtuales lancé un mensaje pidiendo ayuda y tierra de un lugar que les significara algo".

Pero no recibió tierra únicamente, la creatividad de los colaboradoes los llevo a enviarle piedras, arena, conchas y hasta la tierra envolviendo objetos. Así los colaboradores se convierten en autor de su libro, por esto la Biblioteca de Tierra contiene diferentes puntos de vista a un mismo tema. La colección no se basa nada más en los libros de tierra, si no también en las fotografías de todo el proceso, desde el empaque en donde recibe las cajas, hasta el diseño de un libro que contenga todo el proyecto.

La colección de Dellekamp es de lo más impresionante. Hay personas que coleccionan postales para tener un recuerdo de los lugares que han visitado. Dellekamp colecciona pedazos, literal, del mundo. Colecciona lugares significativos para otras personas, conocidos y desconocidos, que al igual que en tierra, se dejan almacenar para conformar una biblioteca de experiencias. 

Actualmente Dellekamp, vive en el dilema de terminar el proyecto o no. A mí parecer,  las colecciones pueden llegar a ser infinitas a menos que te pongas una meta fija, así la colección acaba cuando llegues a ella. 

El coleccionismo como arte, tiene la ventaja del trabajo colectivo (y la desventaja de correr el riesgo con la obsesión). Una vez que las personas saben que estás coleccionando algo, empiezas a crear esta conciencia de la gente sobre ti, y comienzan a participar en tu colección. 

Yo tengo una colección, de fotos tomadas con el celular de vochos amarillos. One Hundred Yellow Vugs, empecé ésta colección con el fin de crear en la memoria de los demás, un símbolo con el que me recuerden. El objetivo se logró, a través de la publicación de las fotos en redes sociales (Instagram y Facebook) Se empezó a crear este recuerdo de mí en mis conocidos, éstos, al ver un vocho amarillo, lo fotografiaba y me mandaban el resultado porque se habían acordado de mí. A diferencia de Dellekamp, yo decidí ponerme una meta, aunque debo admitir, que después de casi dos años de vochos amarilos es difícil desprenderse de ellos, y que el recuerdo en las demás personas continua, ya que sigo recibiendo fotos de vochos amarillos para mi colección.

Después de una colección de 131 vochos amarillos, empesé The Chronicles of the Hipster Glasses. Otro proyectos de coleccionismo.

"Impresiones impresionantes"

Hasta el siglo XX, la fotografía no era reconocida tal cual como un arte. Existía como herramienta para la pintura (con la que tuvo muchos conflictos en sus inicios), como fotoperiodismo, documentacional, retratisa. Pero no existía el concepto de la fotografía como arte, si no hasta el Neue Sachlichkeit, la Nueva Objetividad. 

Surge en Alemania a mediados de los 20's en la pintura, designando sus fundamentos en la objetividad del estilo y el contenido, rompiendo con la pintura expresionistas. La fotografía se apropia del término y pone en práctica la técnica y expresión precisa del mundo contemporáneo con una voluntad de ruptura e innovación apoyándose en las cualidades inherentes al medio: precisión de la puesta a punto y profundidad de campo prime plano. La nueva objetividad determina la historia de la fotografía, porque da a los fotógrafos otra dimensión que se niegan a enmascarar su carácter técnico y se sirven de él com medio de exaltación del objetivo. (Rabanal)

Emmanuel Sougez, se forma como artista en la Escuela de Bellas Artes de Burdeos, es crítico fotográfico y fotógrafo que reacciona contra el Pictorialismo y defiende los principios de la Nueva Objetividad.  Él era un fotógrafo de naturalezas, vivas o muertas, las primeras asesinadas para petrificar y omitir esta vida, las segundas para dotarlas de pulso y tensión; sutiles latidos que reivindican lo fugaz de las cosas y, según sus propias palabras, “retienen y renuevan ese instante de emoción”. (Barro)

Después de él, la fotografía empieza a convertirse en una expresión artística que va más allá de capturar un instante, si no de producir una foto, de crear el ambiente y el escenario, empieza a haber una propuesta artística de parte del fotógrafo. 

Edward Weston, "hacer de lo habitual, lo inusual" Es crear en los objetos, una fotografía con la cual a través de la luz y los contrastes. Se dice "a la manera de Edward Weston" Cuando se obtiene un sentido, se crea una personalidad, se cuenta una historia, o se expresar un sentimiento a través de la objetividad del estilo y el contenido.












Otro personaje importante para la fotografía fue Tinísima, como la llama Elena Poniatovska en la novela que lelva de titulo su nommbre en expresivo. Poniatovska narra una vida en que el arte, la militancia y el amor se disputan el alma y el cuerpo de una mujer. Tina Modotti quien compartió sus cuarenta y cuatro años de vida con personajes hoy legendarios: Edward Weston, Diego Rivera, Xavier Guerrero, Julio Antonio Mella, Vittorio Vidali. Y vivió a fondo sus etapas: la liberación espiritual y sexual en la bohemia de San Francisco, la pasión por la fotografía, el México de los veinte que se abría al mundo, la militancia comunista y la inmersión en el estalinismo más rígido, el trabajo revolucionario en Alemania (La Nueva Objetividad) y la URSS, y en la guerra de España, como enfermera y organizadora, el regreso a México.

En Estados Unidos tenemos a Sandy Skougland, quien comienza a trabajar como artista conceptual en 1972. Empieza un discurso sobre la repetición y e proceso orientado a las producción de arte a través de las técnicas mark-making y fotocopia.

A finales de los setenta, Skougland empieza a documentar su proceso artístico y sus sus ideas conceptuales, por lo que empieza a aprender de la fotografía, medio por el cual empieza a tener mayor interés y da resultado al trabajo que tiene ahora. Sus fotografías en su mayoría son instalaciones de arte que exploran los límite de la vide y de "cómo es la vida" por la fabricación de los escenarios que diseña la artista.

No. ésta foto no es de Sandy Skoglund, sino de Daniela Edburg, una artista mexicana quien hizo sus estudios de artes visuales en la Academia de San Carlos. Dedicándose a la fotografía para analizar ciertos aspectos que definen la naturaleza humana, particularmente el mundo artificial en el que habitamos y las persecusiones que genera. Edburg trabaja con escenarios ficticios (como Skyglound) que son tan extremos que llegan a ser contradictorios. 

Referencias:

Rabanal, Luis. "Nueva Objetividad." Momentos Estelares De La Historia De La Fotografía. Web.

Barro, David. "Emmanuel Sougez." El Cultural. Web.

"Tinísima De Elena Poniatovska." Lecturalia. Web

Edburg, Daniela. "Statement." Daniela Edburg. Web.

"BIO." Sandy Skoglund. 

FOTO sXX

La fotografía, además de todos sus atributos creativos y artísticos, es también una herramienta para la pintura, ya que sirve como un apunte visual que puede ser visto con mayor detenimiento en más de una ocasión. Delacroix, el pintor romanticista más importante, utilizaba la fotografía como herramienta para congelar al modelo.

 «Delacroix es el más evocador de todos los pintores, sus obras nos devuelven a la memoria sentimientos y pensamientos poéticos que creíamos olvidados para siempre» 

Charles Baudelaire

El uso expresivo de su pinceladas y el estudio de los efectos ópticos del color, influenció profundamente en los Impresionistas. Delacroix utilizaba a Rubens, el arte griego y romano, y la pintura Renacentista como referencias para su estilo. Sus pinturas se caracterizan por los temas dramáticos, románticos y violentos. La enorme pasión que Delacroix sentía, hizo posible obras en las que no faltaban «la desolación, matanzas e incendios en donde todo atestigua la barbarie eterna e incorregible del hombre».

Al igual que Delacroix, la fotografía fue influenciada por el movimiento Impresionista, dando a pie a que surgiera el Pictorialismo.

El movimiento pictorialista, no duró mucho tiempo, pero lo suficiente como para influir en la forma de tomar fotografías y para posicionarse en la historia del arte. En este movimiento el atractivo estético era más importante que el contenido, y además de surgir en contra de la fotografía academista. Empieza a existir la producción de una fotografía, el montaje y diseño de la escena, y el tomar la foto con efectos difuminados, que surgen a partir l¡de la influencia del Impresionismo, ambos movimientos tienen como objetivo distanciarse de la realidad para no ser una reproducción de lo que se ve. De ésta forma, empiezan a tomar importancia las observacoines e interpretaciones únicas de cada artista.

Uno de los factores que influyeron en el movimiento Pictorialista, fueron los avances tecnológicos de los equipos fotográficos en el Siglo XX, cada cámara da herramientas diferentes a cada fotógrafo, todo depende de que tipo de foto quieras hacer. La introducción de la película a color y la cámara portátil. En el siguiente link se muestra una línea del tiempo sobre el desarrollo tecnológico de la fotografía: Línea del tiempo sobre la fotografía. El objetivo del mejoramiento de la cámara, es para obtener mejor resultados, y la facilidad para el fotografo de hacer la imagen que necesita, en diferentes género fotógraficos. Hay diferencia entre la fotografía deportiva, y el retrato por ejemplo.

Para mí la cámara es una herramienta para construir evidencia de la existencia de nuestra sociedad y de mi escencia en este mundo. A través de la fotografía, podemos permanecer en todas nuestras presentaciones.

Uno de los fotógrafos que creía que a partir de la fotografía, específicamente el retrato, se podía construir una crítica a la sociedad fue August Sanders, quien realizó más de 540 retratos a partir de 1910 en Alemania, retrata a las personas a través de escenarios simples y elementos significativo para las personas contemporáneas de la sociedad alemana de principios del siglo. 

Sanders es considerado uno de los pioneros de la fotografía, su más grande proyecto fue Hombres del Siglo XX, un trabajo de 49 portafolios divididos por la categoría de cada clase social, desde el abogado al miembro del parlamento, del soldado al banquero, los intelectuales, artistas, gitanos, méndigos y muertos. Entre otros miembros de diferentes grupos que el artista clasifica.

"Me han preguntado a menudo cómo me surgió la idea de este trabajo: ver, observar, pensar. Nada parece más adecuado que la fotografía para dar una imagen histórica absolutamente fiel de nuestro tiempo." August Sander

Mariam, Bourj al Shamali Palestinian Refugee Camp, Tyre, Lebanon 2009

A partir del retrato se pueden plantear diferentes discursos sobre la sociedad, ya que ésta esta construída por las personas. Rania Matar, es una fotógrafa contemporánea que realizó un proyecto sobre las múltiples guerras entre el Medio Oriente y los Estado Unidos, sin fotografiar ningún soldado, si no a niñas y adolescentes en sus recámaras.

La comparación de las recámaras entre cada sociedad, refleja los conflictos por los que cada país ha pasado.

Ariel, Winchester, MA 2009

 Desde siempre, a través del retrato podemos conocer a la sociedad. Desde las civilizaciones más antiguas como Egipto, con sus pinturas del cuerpo del lado y el ojo de frente y Grecia, con el canon de la belleza) hasta nuestra época, con las selfies y la foto del ife.

Referencias:

Pictorialismo -Fotografía Como Arte-. Prod. Yeraki Ariel. You Tube.
Alberdi, Pilar. "Delacroix Por Charles Baudelaire." Pilar Alberdi. Blogspot.
"Introduction." Eugene Delacroix.  <eugenedelacroix.org/>.

La fotografía ficticia

Tenemos una cierta idea de que la fotografía esta ligada a la realidad y a la memoria, sin embargo, la ficción es un elemento técnico y creativo que altera la imagen. A través de las herramientas que el laboratorio, tanto real como digital proporcionan en el arte de la fotografía.  .Como en la literatura, la ficción permite la creación de un mundo imaginario, por medio de la alteración de la realidad con sucesos y personajes que no existen.

Según Pedro Meyer, la fotografía puede ser ficción por sus alteraciones con la realidad. "La alteración ha existido siempre, antes por medios químicos y mecánicos -el simple encuadre, por ejemplo, o el blanco y negro- y ahora con las posibilidades infinitas de las herramientas digitales. Desde luego, la alteración de imágenes para fines artísticos es una muy distinta a los propósitos periodísticos y documentales..."

Pedro Meyer, es uno de los más reconocidos representantes de la fotografía contemporánea. Fundador y presidente del Consejo Mexicano de Fotógrafos, así como fundador y editor de ZoneZero. Es el creador del primer CD ROM  que contenía su trabajo fotográfico en imágenes y sonidos "Fotografío para Recordar", un homenaje a sus padres. Dentro de su trayectoria como fotógrafo, ha sido maestro, curador y editor. Ha publicado libros y ensayos e impartido más de cien conferencias sobre fotografía. 

La fotografía es una herramienta visual que utilizamos para coleccionar el tiempo, para recordar el pasado, para crear imágenes que nos remitan a algo, a un momento o que nos hagan imaginar una historia, recrear un momento. La fotografía es tanto real como irreal, es realismo mágico.

Frecuentemente se dice que las novelas ficticias no son nada más que un montón de mentiras que cuentan una historia, y que sus autores son unos grandes mentirosos. El trabajo de Fonctuberta, fotógrafo, artista, ensayista, docente, maestro de la fotografía, ganador del Premio Hasselblad. Percursor de la fotografía ficticia, fomenta el engaño al espectador por medio de la creación de fotografías. Un fotógrafo que limita la línea entre "tomar" fotos,y "hacer" foto.

“Todo escritor que crea es un mentiroso; la literatura es mentira, pero de esa mentira sale una recreación de la realidad; recrear la realidad es, pues, uno de los principios fundamentales de la creación”. Juan Rulfo

Fonctuberta crea historias ficticias a través de sus imágenes, engaña al espectador. En sus obras, experimenta, provoca y juega a disolver el límite entre la ficción y la realidad. Dice que las imágenes siempre mienten porque está en su naturaleza interpretar lo que muestran. En sus fotografías se difuminan los límites de lo real y lo irreal.

Los fotógrafos somos grandes creadores de mentiras ilustradas. Que sirven tanto para recordar, como para imaginar, siempre en sintonía con el tiempo. Para Fonctuberta lo importante no es la técnica, sino el concepto. Y en un futuro en el que todos podamos utilizar una cámara, quien haga una foto a través de un concepto y un discurso, será el fotógrafo que sobresalga de las masas.

Referencias:

        "Semblanza." Pedro Meyer.

        Mellado, Ana. "El Arte De Mentir, Según Joan Fontcuberta." ABC. Diario ABC

        "Apuntes Sobre Fotografía." Replicante. Asociación Internacional De Publicaciones Culturales

        Green, Jonathan. "El Arte Del Relato: "Fotografío Para Recordar" De Pedro Meyer." Pedro Meyer.

        Cabrejas Almena, M. Carmen. "Ficción Y Fotografía En El Siglo XIX."Photomuseum, Zarautz. IV Congreso
Internacional De Historia De La Fotografía
        Oybin, Marina. "Joan Fontcuberta: “Hay Un Tipo De Fotografía Líquida”." Ñ. Revista De Cultura

Después de la fotografía, ¿qué pasa?

La cámara digital es uno de los elementos que es de uso cotidiano e indispensable para el mundo moderno. Tanto así, que la innovación en los teléfonos celulares es la cámara y no el teléfono mismo. (iPhone 6, ¿te suena?) La fotografía en la Era Digital está al alcance de todos, desde la captura hasta su manipulación, sin olvidar la difusión. La fotografía es ahora más accesible y común para el público en general, a través de la incorporación de cámaras en objetos indispensables como el celular y de aplicaciones fáciles de manejar que editan las fotografías automáticamente y convierten a cualquier usuario de las redes sociales en un fotógrafo.

National Geographic,
Vol. 161, No.2. 1982

La primera foto manipulada publicada fue en febrero de 1982 en una revista de National Geographic, (vol. 161, No. 2). Para Fred Ritchin éste fue el inicio de la Era Digital, cuando el personal de National Geographic modificó una fotografía horizontal de las pirámides de Giza y la hicieron vertical, según el formato de la revista.

Fred Ritchin, director de Pixel Press, a contribuído con ensayos y artículos sobre medios y comunicación digital en numerosos libros. Es profesor de fotografía e imagen visual de la Universidad de Nueva York, y fue editor de fotografía del New York Times y editor ejecutivo de la revista  Camera Arts. Así como autor de: Fotoperiodismo, documental y ciudadano(2013), En nuestra propia imagen(1990) y Después de la fotografía(2008) libro que nace a partir de su blog, After Photography.

A lo largo del libro, Ritchin menciona diferentes puntos sobre la fotografía en la era digital, el que más llamó mi atención fue en su crítica de la Era Digital como factor en la manipulación de la foto.

Una fotografía, después de que es capturada, tiene una serie de transformaciones de edición, y postproducción en los cuales el fotógrafo, somete su fotografía a diversos procesos del laboratorio (tanto digitales como reales) en el que la fotografía es alterada de su original, o no. En la era digital, después de tomar la fotografía, se traduce la información de la cámara a la interpretación de la computadora en la cual te encuentras con un laboratorio digital en el que ya no usas guantes ni químicos para lograr los efectos que estabas buscando. En la computadora se mueven los parámetros predeterminados para llegar a la foto que que estabas buscando, por esto es importante tomar la foto en RAW, para no alterar la calidad de la imagen. Éstas herramientas de la era digital, son parte de un nuevo proceso creativo que te permite personalizar la foto a tu estilo. Lo que antes se hacía en el cuarto oscuro, ahora se puede hacer en la computadora, con todas su nuevas posibilidades y eficiencias.

A diferencia de las fotografías análogas, reveladas en el cuarto obscuro e impresas en el laboratorio, "las imágenes digitales, son efímeras, omnipresentes, nunca se descomponen y dan lugar a un intento gratuito y simplista de inmortalidad."

Ritchin pone en duda la veracidad de las fotografías digitales por su fácil manipulación, es cierto que a simple vista nunca podremos saber si la imagen es legítima o no, pero al igual pasa con las fotografías análogas manipuladas en el laboratorio. La Era Digital no tiene más que el mérito de "facilidad" en la manipulación de fotografías, pero no por ser fácil quiere decir que todas estén manipuladas, ni en análoga por ser un proceso más complicado quiere decir que no lo estén. Ritchin habla sobre crear imágenes del futuro, pone como ejemplo la portada del New York Newsday, que se considera como la primera fotografía noticiosa que publica un evento "futuro" en 1994. La portada incluía una leyenda con una tipografía más pequeña en el que explicada cómo se había generado la imagen para que pareciera que las dos atletas rivales patinaban juntas.

Yves Klein, Salto al vacío. 1960.
Fotomontaje de Harry Shunk

En 1960, el fotógrafo Harry Shunk hizo una serie de fotografías que pegó como collage para crear la impresión de que Yves Klein saltaba de una ventana de un segundo piso a cuatro y medio metros de la calle sin trampolín que amortiguara la caída; se trata de  un documento de ficción fotográfica que es claramente producto de una cuidadosa manipulación. (Schimmel)

El documento visual, a pesar de haber sido manipulado, tuvo un extraordinario impacto entre quienes ponían el propio cuerpo en peligro. A través de la manipulación fotográfica Klein pudo construir la percepción de una acción que amenaza la vida, cosa que anuló la necesidad de ejecutar una verdadera. (Schimmel)

La representación final es un fotomontaje que fusiona de forma invisible fotografias independientes del salto y del escenario para juntarlas en un sorprendente documento, sin líneas de unión. (Schimmel)

Lo que antes se hacía en cuarto obscuro se hace ahora en la computadora. El acabado de la foto está otra vez en manos del artista, no en el laboratorio (digital o virtual) con que trabajó en la foto.

En toda la historia de la fotografía, el resultado final de tu pieza va de la mano con los avances tecnológicos del momento en el que vive el artista. Al tener tu trabajo ahora en la pantalla tienes toda una paleta de colores y posibilidades para hacer que tu obra, creatividad y estilo sigan trabajando.

La vida virtual se ha convertido en La vida, las fotografías, escenas de la vida diaria, buscan la aprobación en las redes sociales. Además de la facilidad que aportó la Era Digital para manipular las fotografías, nos dio una serie de herramientas para medir las reacciones de los espectadores (lectores) con cada fotografía, a través de likes y comments o retweets en las redes sociales. 

El internet nos brindó la facilidad de comunicación para compartir fotografías alrededor del mundo, a través de aplicaciones como Instagram y Flickr. Es muy cierto que pasamos la mayor parte de nuestra vida "conectados" y que no dejamos de estar al pendiente de las notificaciones en nuestro celular, pero no puedo negar, el gusto que me da cuando una foto que tomé llegó a los cincuenta likes! O cuando un amigo mío, acaba de hacer su foto de perfil, una fotografía que yo le saqué.

El internet ha sido uno de los recursos más importantes de nuestra Era Digital, gracias a él podemos estar al alcance de cualquier información (siempre y cuando estemos en un país libre) Las fotos cotidianas que toma cualquier persona y que las sube a la Red, tienen un valor documental importantísimo, ya que son honestas, y desde la vista de quienes viven el problema y no de fotoperiodistas entrenados para capturar "lo que está pasando" Ahora, todos somos fotoperiodistas, ya que con la facilidad de la tecnología, participamos en un acervo histórico de nuestra Era que es imposible medir en metros cúbicos, ya que es virtual y en la vida real, no existe.

Referencias:

Ritchin, Fred. Después De La Fotografía. Trans. Luis Albores. Oaxaca: Ediciones Ve SA De CV, 2010. Print.

Schimmel, Paul. "Salto al vacío, el performance y el objeto." Campos de acción: el performance y el objeto, 1949-1979. Alias · Fusil, p. 72.

Tres tristes fotógrafos tomaban fotos en E-U-A

El profesor Jorge Morales, nos impartió una conferencia magistral sobre los Tres momentos claves en la fotografía estadounidense del siglo XIX, en la cuál nos platicó, sobre 3 encuentros de diferentes personajes que influenciaron fuertemente en la fotografía.

"Quizás has escuchado del Daguerrotipo,  llamado así por su descubridor, M. Daguerre. 

Es uno de los más hermosos descubrimientos de la época"     Samuel F.Morse

El inventor del telégrafo y también pintor Samuel F. Morse, en 1839 durante su estancia en Paris, arregló una cita con Daguerre para intercambiar notas sobre sus inventos. Impresionado por el daguerrotipo, S. Morse regresó a Estados Unidos quizás con lo que fue la primera cámara, y así fue instructor e inspiración de diferentes fotógrafos importantes quienes participaron en la Guerra Civil. De ésta forma el daguerrotipo inició su carrera en Estados Unidos.

El valor de la invención del Daguerrotipo, es el de obtener la representación perfecta del panorama completo de un lugar del mundo y el de retratos idénticos de personajes importantes para la historia. El daguerrotipo fue la primera forma realista de documentar los acontecimientos históricos, iniciando la lucha de la fotografía y la pintura por retratar lo que estaba pensando. 

Tal es el caso de la guerra civil estadounidense, en la que empieza un sentimiento de nostalgia, de capturar todo lo que está a punto de perderse. Como dice Sontang, en su libro Sobre la fotografía: "Con una fotografía sentimos que coleccionamos el pasado (el tiempo), eso que ya no va a existir". Uno de los ejemplos son las fotografías de Edward S Curtis de los nativos de EEUU, las cuales competían con la pintura de George Catlin.

El siguiente encuentro fue entre Eadward J. Muybridge y Leland Stanford, sí como la Universidad en Estados Unidos. Stanford fue un hombre de la industria y político estadounidense quién era dueño de la residencia privada más grande de California, en donde se realizaron las fotografías del caballo en movimiento por Muybridge (sí, los caballos eran de Stanford)

En 1872, Stanford contrató a Muybridge para responder una pregunta (no una apuesta como dicen) Stanford decía, al contrario del conocimiento popular, que había un punto en el galopar del caballo en el que las 4 patas estaban en el aire. Para comprobar sus minuciosas observaciones, contrató al fotógrafo Muybridge para que reafirmara que estaba en lo correcto. Y así fue...

En otra ciudad, y en otro año, (Nueva York, 1900) Edward Steichen, un aspirante a pintor y a fotógrafo de 20 años de Milwaukee, hizo escala en Nueva York en su viaje rumbo a Paris, y visitó el Camera Club de Nueva York para enseárle sus fotografías a Alfred Stieglitz, vicepresidente del Camera Club y editor de Camera Notes, quién después de revisar el trabajo del joven artista, le compró tres de sus fotografías en 5 dólares cada una. Steichen, quien nunca había vendido una fotografía por más de 50 centavos cada uno, le regaló otras fotografías de su portafolio para que Stieglitz las publicara o mandara a exhibiciones. Cinco años más tarde (1905) Alfred Stieglitz abre las puertas de The Little Galleries of the Photo-Secession, mejor conocida como 291, que promueve y exhibe fotografías de arte en donde había sido el estudio de Edward Steichen.

Referencias

Lindsay, David. "The Daguerreotype Is Invented." The Wizard of Photography. PBS, n.d. Web. Sept. 2014.

"Samuel F. B. Morse Visits with Daguerre, 9 March 1839 (keywords: Louis J. M. Daguerre, Robert Walsh, Jr., Samuel F. B. Morse, Benjamin Silli." Daguerrotype Archive. Daguerrian Society, n.d. Web.

"Eadweard Muybridge - Leland Stanford’s Residence." San Francisco Public Library.

"Edward J. Steichen (1879–1973): The Photo-Secession Years." Heilbrunn Timeline of Art History. The Metropolitan Museum of Art

Distancia Focal

El primer ejercicio para conocer nuestro lente, consiste en realizar una serie de fotografías con diferentes combinaciones entre el obturador y el diafragma para conocer la capacidad de nuestro lente.

Empecé con una CANON AE-1 (análoga), con un lente de 50mm, ISO 100 y 4 diferentes combinaciones:

                     Obturador:              1/8             1/4           1/2           1            

                     Diafragma:              5.6               8              11           16

Y estos fueron los resultados:

50mm

1/8

f5.6

50mm

1/4

f8

50mm

1/2

f11

50mm

1

f16

Podemos observar que a pesar de que la velocidad del obturador fuera larga y el diafragma amplio, las fotografías están enfocadas. El ejercicio tenía que ser con diferentes lentes, y al sólo tener uno para la CANON AE-1 de 50mm, decidí realizar el mismo ejercico con la CANON EO5 a 3 diferentes distancias focales: 18mm, 35mm y 55mm, ISO 200 y mismas combinaciones de obturador y diafragma (agregamos a las combinaciones ob:2 con f:22) Las fotos, con ese valor en el ISO, salieron muy sobre expuestas:

Así que decidí usar un ISO 100 para bajarle a la exposición, pero por las combinaciones del obturador y el diafragma, las fotos salieron mejor:

55mm

1/8

f5.6

55mm

"5

f11

No importa a que velocidad tomemos la foto, al estar en tripié siempre va a salir enfocada, ya que no tiene la influencia del pulso humano.