Las cámaras: lúcida y oscura

Las herramientas del dibujo van desde el material que se emplea, como  el carboncillo, la tinta china un lápiz, papel bond, Arches o craft, hasta la tecnología que sirve como apoyo para hacer una representación dibujada de cualquier objeto o paisaje. La cámara lúcida y la cámara obscura fueron dos grandes inventos de la fotografía que en primera instancia asistían al dibujante.

La cámara lúcida es un dispositivo óptico el cual utiliza un prisma de vidrio con reflexión total, para que la imagen aparezca reflejada sobre un papel en donde el artista puede recorrer con cualquier material de dibujo los contornos y las lineas de las figuras. Fue inventada por Johannes Kepler en su escrito Dioptrice publicado en 1611 pero fue William Hyde Wollaston quién la patento como un invento suyo en 1806.

La cámara oscura renacentista tenía las dimensiones de una habitación. Esto fue necesario para que el pintor pudiera introducirse en ella y dibujar desde su interior lo que se reflejaba. 

Otra versión consiste en una caja cerrada, totalmente oscura. Pero en uno de sus lados tiene un pequeño agujero, el cual hace pasar la luz. (Como si fuera una habitación en escala) La luz entra a la caja volteando la imagen que pueda estar enfrente de la misma, proyectando así toda la información lumínica dentro de la caja oscura. Para ver la imagen se construye un visor que a través de un espejo refleje la luz.

Este tutorial muestra como funciona la cámara oscura en una habitación: http://www.howcast.com/videos/387145-How-to-Transform-a-Room-into-a-Camera-Obscura

Una de las desventajas de la cámara lúcida es que tenemos que enfocar correctamente nuestro ojo, para poder ver tanto la imagen virtual a dibujar como nuestro lápiz. Además, debemos mantener la postura correcta para que la imagen no desaparezca al variar el ángulo de visión sobre el prisma, por lo que hay que dibujar deprisa. A diferencia de la cámara lúcida, la cámara obscura tiene una mejor visión del objeto, no es necesario dibujar rápido ni permanecer en una posición. Es una herramienta más útil para el dibujo.

Pero como todo, la cámara lúcida a evolucionado, y ahora se puede encontrar la herramienta de ayuda para el dibujo del siglo XIX, rediseñada para facilitarle al artista la creación de dibujos correctos en su proporción. Con la cámara lúcida del siglo XXI se pueden ver las imágenes en el papel mientras se trabaja.

A mi parecer, la cámara lúcida es una gran herramienta para los primeros dibujantes, ya que uno de los ejercicios de cajón para aprender a dibujar es siguiendo el contorno (a vista alzada) de la figura. El uso de la cámara lúcida podría servir como entrenamiento para los dibujantes principiantes, al tener que dibujar muy rápido y sin una visualización completa.

Referencias:

Quintana, Jorge. "La Cámara Lúcida De Kepler." El Block De Dibujo. Bloggspot, n.d. Web. <http://elblockdedibujo.blogspot.mx/2009/10/la-camara-lucida-de-kepler.html>.
"La Cámara Oscura." Sito Graphics. Enciclográfica, n.d. Web. <http://www.sitographics.com/conceptos/temas/historia/camarosc.html>.
Cardiel, Jesusu. "La Cámra Oscura." Revista Imprescindibles. N.p., n.d. Web. <http://www.revistaimprescindibles.com/suplemento/la-camara-oscura>.

Expectativas en movimiento

El curso de imágenes en movimiento empezó hoy, y me deja con la expectativa de aprender las técnicas de edición y post producción, que no conozco, pues yo todo lo que he editado ha sido en iMovie o FinalCut, y más vídeo memorias  y trabajos de la escuela que un proyecto mío, tan personal como es en el arte.

Quiero aprender a desarrollar una forma de expresión a través de las imágenes en movimiento, el vídeo o la animación, a usar los programas de edición y a no desesperarme mientras trabajo en la computadora, hacer las pases con mi pleito de trabajar en la compu. 

Me encantaría encontrar la forma de que un vídeo o un corto depende únicamente de mí, y no de todo un equipo con el que tienes que colaborar. Quiero lograr mis ideas de vídeo yo sola.

Las referencias, ensayos e investigaciones siempre son de mucha ayuda para crear nuevas ideas y proyectos, quiero conocer videografos y experiemtear con diferentes equipos y técnicas.

"Mi cámara, mi escuincla"

La cultura audiovisual está formada por  la imagen, su significado y posibilidades expresivas; los medios de comunicación y la producción audiovisual. La televisión, desde su invención, ha formado gran parte de la cultura audiovisual, siendo un medio para el cual se producen contenidos que se transmiten para su difusión y comunicación. Las imágenes que recibimos a través de la televisión, son las de mayor influencia en los medios de comunicación, sin embargo el acceso a ella como participe es restringido y en ocasiones censurado.

arTv es como Pola Weiss -la primer teleasta en México- nombra a sus producciones por su capacidad masiva de comunicación. Combinando la función de la televisión con un fin artístico. Pola Weiss utiliza la televisión para alcanzar a mayor público, sabiendo el rango de difusión que tiene este medio de comunicación. -tomando en cuenta que, cuando ella trabajaba, no existía el internet.

Toda elaboración audiovisual de Pola va dirigida a un público, su objetivo era la difusión, utilizando e la TV como medio de comunicación común para las masas, ella intentaba que el arte trascendiera de la galería y tuviera mayor rango de alcance. 

Pola Weiss es sin duda la videoasta más importante en América Latina, siendo precursora de éste arte, Pola casi desconocida nos deja años de trabajo e ingenio en sus obras que definitivamente estaban adelantadas a su época, siendo una gran influencia y referencias para todos los nuevos artistas. 

La relación de Pola Weiss con su cámara era como de madre e hija: inseparables, en su video: Autovideato la describe cómo: "mi cámara, mi escuincla", era sin duda su principal herramienta. Pola observaba a través de ella, ponía atención al mundo, o a través de su cámara nos hacía poner atención a lo que ella observaba. El medio que utiliza Pola Weiss responde a su contexto, su objetivo: lograr que el espectador sintiera lo que es estar en su cuerpo. La combinación de música, vestuario, movimiento y video conforman el performance y videodanza de Pola Weiss, así la artista exploró su cuerpo y su mente a través de la danza y la cámara.

En el trabajo de Pola Weiss se valora la importancia de la función expresiva del sonido y de la música en el proceso de creación audiovisual. Es decir, su trabajo no se compone únicamente visualmente como en la fotografía, si no que va de la mano con los efectos elegidos, las pistas de audio que Pola elige para su edición.

La exposición de Pola Weiss en el MUAC, nos da un acercamiento a una mente inquieta, moderna, pionera, un recorrido por su mente, ya que se encuentran exhibidas sus bitácoras, guiones, video (piezas) y bocetos. La mayor parte de su trabajo se trata de ella y su relación con el mundo. La obra de Pola Weiss estaba en espera de espectadores, 24 años después de suicidarse, la obra de Pola es expusta en busca de un público de otra generación, acostumbrado a la difusión y a los medios digitales,  a diferencia de su auditorio contemporáneo quien rachasó su obra por hacer locuras radicales para su época. Pero, de no haber sido por su época, Pola no habría sido la vanguardista del videoarte en México, quizás sería una de tantas, o habría encontrado una forma renovadora de manifestarse.

A través del video, Pola descubrió nuevas posibilidades que no habían sido vistas por otros, sin embargo la obra de Pola no tiene nada que ver con la tecnología de hoy, incluso podría pensar que con la tecnología de hoy Pola no habría hecho lo mismo, pues lo que hace Pola es marcar tendencias. ¿Qué vanguardia hubiera provocado con la tecnología actual? ¿Qué habría hecho Pola con las herramientas de ésta época? ¿qué no habría hecho con una GoPro y el internet? Si parte importante de su trabajo era la difusion, ¿qué habría hecho con las herramientas de ahora, como Vine?

studium - punctum

A través de experiencias y miradas personales sobre la fotografía, Roland Barthes (1915-1980), crítico, teórico y filósofo francés cumple su deseo de escribir sobre la fotografía en La cámara lúcida, en el cual refleja la incomodidad que siempre había experimentado de bambolearse entre dos lenguajes, uno expresivo y otro crítico.

En el libro, Barthes genera diferentes preguntas y reflexiones sobre la fotografía, como: ¿Por qué escoger (fotografiar) tal objeto, tal instante y no otro? Ésta es una pregunta a la que él como crítico no responde, sin embargo inventa términos para poder definir un criterio de observación para las fotografías. Su mayor pregunta es el porqué le llama atención una foto en especial y no otra. ¿Por qué escoger esa foto y no ésta?

Distintas razones hacen que te interese una foto: por el objeto, el paisaje, el cuerpo, los colores, la forma, etc. Se trata de asombrarse, de admirar o discutir la técnica empleada. 

Barthes dice que lo que hace vibrar una fotografía es la "aventura". El por qué me atrae una foto, que tiene esa foto que sea existente para mí. Las que impresionan, unas ganas que se sumergen en nosotros hasta un profundidad y por medio de unas raíces que desconocemos. En cada fotografía existía para él una aventura compuesta por diferentes elementos, en muchas de ellas como las de Koen Wessing, lo que le interesaba era una especia de dualidad que encontraba en ellas como hilo conductor.

En el libro Barthes hace mención a que las personas tenemos una tabla interior de preferencias, de repugnancias o indiferencias que definen nuestro criterios para que nos guste o no una foto. Por esto, a partir de esto Barthes desarrolla términos para definir sus criterios de interés, para poder justificar sus argumentos.

Define el studium y el punctum, que son las dos herramientas que utiliza para analizar la aventura de la fotografía. El studium es una especie de interés humano, la aplicación a una cosa, el gusto por alguien, una suerte de dedicación general, ciertamente afanosa. Y el puntcum, lo que llega a punzar al espectador, los puntos sensibles, es el azar que hace vibrar. El studium es el interés histórico, la parte reflexiva, el interés social, político, o cultural. mientras que el punctum es un detalle, es decir un objeto parcial, tiene fuerza de expansión. La lectura del punctum es al mismo tiempo corta y activa, las cualidades para atraer la mirada construyen el punctum, es un suplemento, es lo que añado a la foto y que sin embargo ya está en ella, es entonces una especie de sutil más-allá-del-campo, como si la imagen lanzase el deseo más allá de lo que ella misma muestra.No es posible establecer una regla de enlace entre el studium y el puntcum, se trata de una cooprescencia.

Barthes menciona en su libro, el trastorno de propiedad sobre una fotografía. ¿De quién es la foto? Existen dos posibilidades: 

a) al sujeto

b) al fotógrafo

Quizaás si le preguntamos a la persona, o siendo imaginativos, al objeto fotografiado, responderán que la foto es suya, por que son ellos los que salen en ella. Cuando eres fotografiado, común y erróneamente uno dice que la fotografía es suya. Dicen, "mira mi foto" cuando es una retrato de ellos mismos. A mí parecer, la fotografía es del fotógrafo, porque él fue quien la tomó, quien se apropió del objeto, de la imagen. Fue quien decidió como tomarla, y para qué. El fotógrafo es total y único responsable de sus fotografías. 

¿Por qué escoger (fotografiar) tal objeto, tal instante y no otro? Ésta es una pregunta a la que él como crítico no responde, el escoger tal objeto, tal instante y no otro es una habilidad del fotógrafo capturar el instante decisivo, como pensaba Cartier-Bresson, es decisión y criterio del fotógrafo, por lo que le llame la atención a su juicio. Antes de tomar la fotografía, el fotógrafo ya crisicó la escena, ya hubo algo que lo hizo vibrar, encontró una aventura, un stadium y un puntcum. Barthes establece que el Fotógrafo debe desafiar las leyes de lo interesante, la foto se hace sorprendente a partir del momento en que no se sabe por qué ha sido tomada: ¿qué motivo puede haber y qué interés hay para fotografíar un objeto?

Referencias:

Barthes, Roland. La Cámara Lúcida. Trans. Joaquín Sala-Sanahuja. 1ª ed. Buenos Aires: Ediciones Paidós, 1990. Print.

Uno de uno

El primer impacto de una obra de arte se genera cuando no conocemos nada de la obra de arte. Hace siglos, en sus inicios, la pintura era el arte que causaba mayor impacto en la sociedad porque era algo nuevo, algo especial para su época, algo diferente, casi imposible. Pero a través de los años, otras formas de expresión artística han acaparado la atención y la pintura no nos impresiona tanto porque ya la conocemos, es algo que ha existido desde antes de nuestra generación. No es algo nuevo ni renovador, lo nuevo somos nosotros.

Últimamente algunos artistas utilizan técnicas antiguas porque las técnicas modernas son cada vez más fácil de manipular, y para ser únicos u originales como Patricia Lagarde se necesita utilizar las técnicas que ya nadie más usa, como el ambrotipo. Las formas antiguas o clásicas son para crear piezas únicas, mientras que las modernas son para su mayor reproducción y su mayor alcance.

De que sirve una pieza única, ¿para que nadie la pueda tener? O sólo una persona pueda disfrutarla, ¿qué tiene de malo estar en todos los muros? ¿Porqué sólo una? Más que originalidad, en mi parecer, después de la conferencia que dio Marco, se podría considerar egoísta.

Si es una de una (1 / 1), el alcance es para una persona. El arte además de los sentimientos y las expresiones, es un negocio, y por supuesto que económicamente tiene más valor una pieza única que una de tantas, como artistas debemos elegir si queremos ser parte del mercado o parte de la historia. Igual, se pueden ambas cosas, pero para cada pieza le tenemos que escoger un fin, un objetivo y ese puede ser tanto económico como emocional...

"Algunas personas matan por dinero, otras, mueren por ser reconocidas"

Tú... Coleccionista de fotografías

Los coleccionistas son personas que reúnen objetos de la misma clase (o de la misma forma) por un interés propio o por afición. Generalmente, las colecciones (que son las agrupaciones de diferentes objetos de una determinada categoría) son organizadas y clasificadas por el coleccionista.

Cualquier cosa es coleccionable. Sólo se necesita estar lo suficientemente comprometidos con el objeto para convertir la afición en una colección. Existen todo tipo de colecciones, y de forma de coleccionarlas. Hay quien reúne tarjetas de beisbol y las coloca todas en un mismo lugar.

A continuación, dos artistas que trabajan proyectos artísticos a través de colecciones.

Patricia Lagarde, diseñadora gráfica y fotógrafa, es una artista visual que se especializa en la elaboración de Libros de artista. Lagarde, dice que como artistas, fotógrafos, no debemos limitarnos a presentar una fotografía colgada en la pared, si no a experimentar todas sus presentaciones. Lagarde presenta sus obras a través de libros de artista que ella diseña y edita de acuerdo a las necesidades de sus fotografías, adecuando el libro a su trabajo y no viceversa. Más bien, convirtiendo el libro en su obra.

Además de los Libros de artista, Lagarde tiene una colección de objetos que son sacados de su contexto y atrapados por la técnica de ambrotipo, haciendo de cada fotografía una pieza única y coleccionable. Al sacar a cada objeto de su contexto y metiéndolo en un ambrotipo de 10x14cm, Lagarde tiene una colección fotográfica de objetos cotidianos que todos, logran tener una relación por su importancia en la fotografía y no en realidad.

Marianna Dellekamp estudió fotografía en México y Nueva York, es una artista visual que en particular, colecciona tierra. Sí, ese polvo café que se mete en todos lados, y lo hace de una manera muy original, a través de libros (recipientes) de acrílico. Ésta colección la hizo con la ayuda de la difusión de una convocatoria en las redes sociales para que personas de todo el mundo le mandaran tierra. “Tocando puertas virtuales lancé un mensaje pidiendo ayuda y tierra de un lugar que les significara algo".

Pero no recibió tierra únicamente, la creatividad de los colaboradoes los llevo a enviarle piedras, arena, conchas y hasta la tierra envolviendo objetos. Así los colaboradores se convierten en autor de su libro, por esto la Biblioteca de Tierra contiene diferentes puntos de vista a un mismo tema. La colección no se basa nada más en los libros de tierra, si no también en las fotografías de todo el proceso, desde el empaque en donde recibe las cajas, hasta el diseño de un libro que contenga todo el proyecto.

La colección de Dellekamp es de lo más impresionante. Hay personas que coleccionan postales para tener un recuerdo de los lugares que han visitado. Dellekamp colecciona pedazos, literal, del mundo. Colecciona lugares significativos para otras personas, conocidos y desconocidos, que al igual que en tierra, se dejan almacenar para conformar una biblioteca de experiencias. 

Actualmente Dellekamp, vive en el dilema de terminar el proyecto o no. A mí parecer,  las colecciones pueden llegar a ser infinitas a menos que te pongas una meta fija, así la colección acaba cuando llegues a ella. 

El coleccionismo como arte, tiene la ventaja del trabajo colectivo (y la desventaja de correr el riesgo con la obsesión). Una vez que las personas saben que estás coleccionando algo, empiezas a crear esta conciencia de la gente sobre ti, y comienzan a participar en tu colección. 

Yo tengo una colección, de fotos tomadas con el celular de vochos amarillos. One Hundred Yellow Vugs, empecé ésta colección con el fin de crear en la memoria de los demás, un símbolo con el que me recuerden. El objetivo se logró, a través de la publicación de las fotos en redes sociales (Instagram y Facebook) Se empezó a crear este recuerdo de mí en mis conocidos, éstos, al ver un vocho amarillo, lo fotografiaba y me mandaban el resultado porque se habían acordado de mí. A diferencia de Dellekamp, yo decidí ponerme una meta, aunque debo admitir, que después de casi dos años de vochos amarilos es difícil desprenderse de ellos, y que el recuerdo en las demás personas continua, ya que sigo recibiendo fotos de vochos amarillos para mi colección.

Después de una colección de 131 vochos amarillos, empesé The Chronicles of the Hipster Glasses. Otro proyectos de coleccionismo.

"Impresiones impresionantes"

Hasta el siglo XX, la fotografía no era reconocida tal cual como un arte. Existía como herramienta para la pintura (con la que tuvo muchos conflictos en sus inicios), como fotoperiodismo, documentacional, retratisa. Pero no existía el concepto de la fotografía como arte, si no hasta el Neue Sachlichkeit, la Nueva Objetividad. 

Surge en Alemania a mediados de los 20's en la pintura, designando sus fundamentos en la objetividad del estilo y el contenido, rompiendo con la pintura expresionistas. La fotografía se apropia del término y pone en práctica la técnica y expresión precisa del mundo contemporáneo con una voluntad de ruptura e innovación apoyándose en las cualidades inherentes al medio: precisión de la puesta a punto y profundidad de campo prime plano. La nueva objetividad determina la historia de la fotografía, porque da a los fotógrafos otra dimensión que se niegan a enmascarar su carácter técnico y se sirven de él com medio de exaltación del objetivo. (Rabanal)

Emmanuel Sougez, se forma como artista en la Escuela de Bellas Artes de Burdeos, es crítico fotográfico y fotógrafo que reacciona contra el Pictorialismo y defiende los principios de la Nueva Objetividad.  Él era un fotógrafo de naturalezas, vivas o muertas, las primeras asesinadas para petrificar y omitir esta vida, las segundas para dotarlas de pulso y tensión; sutiles latidos que reivindican lo fugaz de las cosas y, según sus propias palabras, “retienen y renuevan ese instante de emoción”. (Barro)

Después de él, la fotografía empieza a convertirse en una expresión artística que va más allá de capturar un instante, si no de producir una foto, de crear el ambiente y el escenario, empieza a haber una propuesta artística de parte del fotógrafo. 

Edward Weston, "hacer de lo habitual, lo inusual" Es crear en los objetos, una fotografía con la cual a través de la luz y los contrastes. Se dice "a la manera de Edward Weston" Cuando se obtiene un sentido, se crea una personalidad, se cuenta una historia, o se expresar un sentimiento a través de la objetividad del estilo y el contenido.












Otro personaje importante para la fotografía fue Tinísima, como la llama Elena Poniatovska en la novela que lelva de titulo su nommbre en expresivo. Poniatovska narra una vida en que el arte, la militancia y el amor se disputan el alma y el cuerpo de una mujer. Tina Modotti quien compartió sus cuarenta y cuatro años de vida con personajes hoy legendarios: Edward Weston, Diego Rivera, Xavier Guerrero, Julio Antonio Mella, Vittorio Vidali. Y vivió a fondo sus etapas: la liberación espiritual y sexual en la bohemia de San Francisco, la pasión por la fotografía, el México de los veinte que se abría al mundo, la militancia comunista y la inmersión en el estalinismo más rígido, el trabajo revolucionario en Alemania (La Nueva Objetividad) y la URSS, y en la guerra de España, como enfermera y organizadora, el regreso a México.

En Estados Unidos tenemos a Sandy Skougland, quien comienza a trabajar como artista conceptual en 1972. Empieza un discurso sobre la repetición y e proceso orientado a las producción de arte a través de las técnicas mark-making y fotocopia.

A finales de los setenta, Skougland empieza a documentar su proceso artístico y sus sus ideas conceptuales, por lo que empieza a aprender de la fotografía, medio por el cual empieza a tener mayor interés y da resultado al trabajo que tiene ahora. Sus fotografías en su mayoría son instalaciones de arte que exploran los límite de la vide y de "cómo es la vida" por la fabricación de los escenarios que diseña la artista.

No. ésta foto no es de Sandy Skoglund, sino de Daniela Edburg, una artista mexicana quien hizo sus estudios de artes visuales en la Academia de San Carlos. Dedicándose a la fotografía para analizar ciertos aspectos que definen la naturaleza humana, particularmente el mundo artificial en el que habitamos y las persecusiones que genera. Edburg trabaja con escenarios ficticios (como Skyglound) que son tan extremos que llegan a ser contradictorios. 

Referencias:

Rabanal, Luis. "Nueva Objetividad." Momentos Estelares De La Historia De La Fotografía. Web.

Barro, David. "Emmanuel Sougez." El Cultural. Web.

"Tinísima De Elena Poniatovska." Lecturalia. Web

Edburg, Daniela. "Statement." Daniela Edburg. Web.

"BIO." Sandy Skoglund.